Avustralya doğumlu, Los Angeles’ta yaşayan fotoğrafçı George Byrne, manevi olarak modernist resme, olağanüstü teknik başarılara ve en önemlisi başarılı sanata dayanan büyük ölçekli mimari ve manzara fotoğrafları yaratıyor.
SanalSergi, son dizisi Synthetica hakkında konuşmak için Byrne ile sohbet etti. Konular arasında Byrne’nin estetik tarzı, fotografik yaklaşımı, Synthetica’nın Byrne’ın daha geniş işlerine nasıl uyum sağladığı ve yapay zeka çağında insanların onun çalışmalarına bakışının nasıl değiştiği yer alıyor.
Yapay Zeka mı Değil mi?
Byrne’ın görselleri kesinlikle yapay zeka tarafından üretilmiyor ancak tarzı ve konusu her zaman gerçeküstücülüğün sınırında geziniyor ve gerçek dışı bir dünya gibi hissettirebilecek bir şeye kısa bir bakış sunuyor.
Sanat her zaman onu izleyen insanların bağlamı içinde izlenir ve takdir edilir ve bu da sürekli değişen bir bakış açısıdır. İnsanların yapay zekaya, teknolojiye ve sanatın nasıl yaratıldığına dair görüşlerinin Byrne’ın çalışmalarına bakış açısını nasıl değiştirebileceğini düşünmek ilginç.
“Geriye dönüp baktığımızda, Synthetica gösterisinin zamanlaması oldukça esrarengizdi. Stüdyoda, Synthetica adını verdiğim bir program üzerinde çalışıyordum ve ardından yapay zeka fotoğrafçılığı devreye girdi. ‘Bununla ne yapacağız!?’ diye düşündüm” diyor Byrne. “Teknoloji hâlâ beta aşamasındaydı ama bizi tamamen şaşırttı. O zamandan beri onu yakından takip ediyorum, büyüleyici buluyorum.”
Byrne, konsept aşamasında fikirlerin daha hızlı ve daha az çalışmayla bir tür forma dönüştürülmesine yardımcı olmak için yapay zeka tarafından üretilen sanata bir yer görebiliyordu. “Fakat Midjourney gibi bir şeyi istemleri kullanarak fotoğraf oluşturmak için kullanmak beni ilgilendirmiyor.”
“İnsanların çalışmamın yapay zeka tarafından oluşturulduğunu düşünmeleri gerçekten umurumda değil” diye ekliyor. “Fotoğraflarımda yüzlerce saatlik çalışma var ve eğer ilgilenirlerse insanlara göstermekten memnuniyet duyarım. Ama aslında yapay zeka kullanmış olsam bile bunun bir önemi olduğunu düşünmüyorum ve onu kullananları da yargılamıyorum.”
“Sanatçıların şimdiye kadar yaptığı tek şey, önlerindeki araçları kullanmaktı. Şu anki [AI] teknolojisine dair anlayışım, onun harika bir taklitçi, toplayıcı ve problem çözücü olduğu yönünde. Ancak hiçbir motivasyonu olmadığı için insan motivasyonuyla rekabet edebilecek hiçbir yer yok. Fotoğrafçı, “Ömrü yok, ölümlülüğü yok, içgüdüsel bir deneyimi yok; bana göre sanatın geldiği yer burası” diye açıklıyor. “Ama al. Bir veya iki yıl içinde bana dönerseniz belki her şey değişir.”
Genel olarak yapay zeka teknolojisine gelince, Byrne kararsız olduğunu ancak işleri bu teknoloji tarafından tehdit edilecek insanlar için endişelendiğini söylüyor. Kendisi aynı zamanda “Silikon Vadisi’ndeki 300 ineğin hiçbir istişare olmaksızın insan uygarlığının yönünü değiştirecek bir teknolojiyi piyasaya sürmesinin çılgınca” olduğunu düşünüyor.
“Bunu biz mi istedik?” o ekler. “Fakat sanırım teknolojik sıçramaların çoğu her zaman bu şekilde işler. Bunlar sadece oluyor. Biz de uyum sağlıyoruz ve hayat devam ediyor.”
Synthetica : Gerçek Dünyadan Düş Manzaraları Yaratmak
İlk bakışta Byrne’nin son serisi Synthetica , 2021’deki Inner Visions ve 2017’deki Color Field gibi önceki çalışmalarından bazılarına çok benziyor olsa da fotoğrafçı, aralarında önemli estetik ve stilistik farklılıklar olduğunu belirtiyor.
Evet, hepsini birbirine bağlayan manevi bir bağ var ama Byrne, manzaralarını rüya manzaralarına dönüştüren daha büyük ölçekli planlama ve kompozisyonu benimsemiş; fotoğrafçı buna “Gerçekte var olmayan Frankenstein manzaraları” adını veriyor.
Bu, Byrne’nin daha önceki serileriyle karşılaştırıldığında, süreçte çok büyük bir değişiklik; bu seri, esas olarak, sonradan işleme yoluyla ustaca değiştirilen tek görüntülerden oluşuyordu.
Bazı kompozisyon farklılıklarının altında yatan kavramsal değişimler de vardır. Byrne’ın önceki çalışmaları en azından kısmen Instagram gibi sosyal medya düşünülerek yaratılmıştı. Bu görüntülerin daha küçük ölçekte çalışması gerekiyordu, bu nedenle büyük, canlı renk bloklarına daha çok güveniyorlardı.
2021’de Innervisions ile Byrne, sürecinde Instagram sunumunu düşünmekten uzaklaşmaya başladı. Platform olarak Instagram’daki değişikliklerden ve ayrıca fotoğrafçı Gregory Crewdson’un etkisinden bahsediyor.
“[Crewdson’ın] resimleri ekranda değil, şahsen görülebilecek şekilde tasarlandı. Görüntülerine ayrıntılı sembolizm yerleştiriyor ve 3×3 inçlik arkadan aydınlatmalı bir ekrana yansıtılmayan bir destansılık var,” diye açıklıyor Byrne.
Stil ve yaklaşımdaki uzun vadeli değişime daha yakından bakan Byrne, Innervisions’dan Black Monolith, 2021 adlı bir görselden bahsediyor .
“Bu, 2 yıl sonra Synthetica için üretmeye devam edeceğim işin masasını hazırlayan görüntüydü .”
Bir akıllı telefonda anlaşılma ihtiyacına bağlı olmayan görüntüler oluşturmanın ötesinde, Synthetica’da anlatım farklılıkları da var.
“ Synthetica , yalnızca Kaliforniya ve Miami’den değil, Amerika’nın her yerinden sahneleri kapsayacak şekilde görüş alanını açtığım ilk sergi. Byrne, “Tutarlı olup olmadıklarını görmek için geniş bir konu yelpazesi kullanmak istedim” diyor. “Bu yaklaşımın aynı zamanda Amerikan projesini daha geniş anlamda yansıtacağını, yani farklı ipliklerin tek, karmaşık bir varlık halinde bir araya getirilmesini yansıtacağını hissettim. Görüntüler katmanlar, zaman ve sentezle ilgili.”
George Byrne’ın Çalışmalarının Fotografik Sürecine Yakından Bakmak
Çoğu izleyici için Byrne’ın çalışmalarını takdir etmek ve bundan keyif almak kolaydır ve birinin bakış açısı ve deneyimine göre her bir görüntüyü anlamanın birçok farklı yolu vardır. Ancak fotoğrafçılar için Byrne’ın çalışmaları daha fazlasını ortaya çıkarıyor: Merak. Bunu nasıl yapıyor?
“Yıllarca süren sergilerden sonra iki ana grup olduğunu görüyorum: Fotoğrafın ne olduğuna dair önyargılarını kapıda bırakıp, görüntüleri resimmiş gibi deneyimleyenler ve gerçekten olup bitenin özüne inmek isteyenler. Byrne, “Neyin gerçek olup olmadığı, nasıl yapıldıkları vb. hakkında” diyor. “Her ikisi de çok geçerli yanıtlar.”
“Kişisel olarak ben daha çok ikincisiyim; müzede dev bir Andreas Gursky veya Gregory Crewdson fotoğrafı gördüğümde, nasıl yapıldığını çözüp çözemeyeceğimi görmek için her santimini analiz etme eğilimindeyim, başarısız olduktan sonra ise başarısız oldum. bu sayede sanat eserini deneyimlemek için zaman ayırıyorum. Çoğu fotoğrafçının böyle olduğunu düşünüyorum, sarsılması zor.”
Byrne’nin fotoğraflarını nasıl oluşturduğu, tam olarak ne yarattığına bağlı olarak büyük ölçüde değişiyor.
Sürecin birincil çekim aşaması var; bu sırada Byrne dışarı çıkıyor ve öncelikle Pentax 67 orta format film ve 75 ile 300 mm arasında değişen lensler kullanarak bir sürü yeni fotoğraf çekiyor.
Daha sonra “üç ila altı ay boyunca kendini stüdyoya kilitler ve işe gider.”
“İlk adım, yeni görsel yığınına alışmaya çalışmak; bu haftalar sürebilir. Sonra ipuçları için bağlantılar ararım. Çok fazla kitap okuyorum ve birçok başka sanatçıya bakıyorum. Ne söylemeye çalıştığımı bulmaya çalışıyorum ve yaptığım şeye yaklaşmanın yeni yollarını düşünmeye çalışıyorum. Genellikle 50-60 fikir veya ‘eskiz’ elde ediyorum, sonra haftalar ve aylar içinde bu sayıyı 15-20’ye indiriyorum.”
Byrne, fikirlerine ve çektiği görüntülere dayalı eskizlerine kilitlendikten sonra, yüksek güçlü bir tambur tarayıcı kullanarak seçilen tüm negatifleri yeniden tarar. Daha sonra her şeyi son kompozitlerde birleştirmek için stüdyo yöneticisi Danny Duarte ile birlikte çalışıyor.
“Danny ve ben beş yılı aşkın bir süredir montaj üzerinde birlikte çalışıyoruz ve onun post prodüksiyon konusundaki dehası, resimlerimin bu kadar iyi görünmesinin büyük bir parçası; iyi işbirliği yapıyoruz. Ben de ekmeği bu şekilde pişiriyorum” diye açıklıyor Byrne.
Genellikle 12-18 ayda bir 15-20 yeni fotoğraf sergiliyor.
Siyah Beyazdan Renkli Fotoğrafçılığa Geçiş Fırsat ve Bağlılıktan Doğdu
Byrne’ın portföyünün büyük çoğunluğu renkli olsa da, ilk öne çıkan serisi daha geleneksel siyah beyaz manzara fotoğraflarından oluşuyor. Çalışmalarının geri kalanıyla tam bir tezat oluşturuyor.
Byrne, “Beni bu noktaya getiren şeyin büyük bir kısmı, tam zamanlı bir sanatçı olmanın ticari gerçekliğidir” diye açıklıyor. “2014 yılında Instagram’da paylaştığım renkli çalışmayı ilk satmaya başladığımda bir kafede çalışıyordum. Ciddi anlamda meteliksiz, mücadele eden bir müzisyendim ve fotoğrafçılığı sevsem de sanatçı olmanın mümkün olabileceğini düşündüğüm bir şey değildi.
Ancak Byrne’ın çalışmalarına olan ilgi arttıkça ve daha fazla satış yaptıkça, çalışmalarını sergilemek için yeni fırsatlar yakaladı.
“Hızla her şeyi bıraktım ve olup bitenlerden en iyi şekilde yararlanmaya odaklandım” diye anımsıyor.
“O zamanlar 37, 38 yaşlarındaydım ve ara vermenin ne kadar zor olduğunun farkındaydım. Çok azimliydim.”
Byrne’ün “çıkış” yapmasına yardımcı olan çalışma renkli çalışmasıydı, bu yüzden renkli fotoğrafçılık konusundaki çabalarını iki katına çıkardı.
“Bu renkli çalışmayı istediğim yere, yani müzelere taşıyacaksam, yaptığım işi ciddileştirmem ve üst sınıfa taşımam, daha büyük kameralar almam ve kendimi bu zanaata gerçekten kaptırmam gerektiğini fark ettim, öğrenecek çok şeyim vardı.” Hem teknik hem de teorik olarak. Ayrıca çalışmamın neyle ilgili olduğunu ve ne söylemeye çalıştığımı da netleştirmem gerekiyordu; işte o zaman beş yıllık sanat okulu çok işime yaradı!”
“Renkli fotoğrafçılıkta yaptığım işin üstesinden gelebilmem için, desteyi temizlemem ve ona odaklanmam gerekiyordu, böylece siyah beyaz çalışmalarım durdu.”
Ancak Byrne, buna geri dönmeyi umduğunu ve “zamanında” geri döneceğinden emin olduğunu söylüyor.
Bununla birlikte, Synthetica’daki bir görüntü, Byrne’nin uzaklaştığı orijinal tek renkli manzara çalışmasına geri dönüyor. Jenny Lake Wyoming, 2024 adlı fotoğraf renkli bir fotoğraf olabilir ama Byrne’nin bir sanatçı olarak geçimini sağlamaya çalışırken yaptığı geleneksel manzara çalışmasına çok benziyor.
“Jenny Gölü fotoğrafının eklenmesi benim için de biraz gizemliydi; 2022’de Yellowstone Milli Parkı’nda yaptığım bir yolculukta çektiğim birçok manzaradan biriydi. Bu manzaraları o kadar çok sevdim ki ve Uymadıkları için biraz hayal kırıklığına uğradım, bu yüzden ‘siktir et’ diye düşündüm. Bu muhteşem dağ beni o kadar etkilemişti ki, görüntüyü sarsamadım. Ben de üzerinde bazı değişiklikler yaptım ve onu bir ışık kutusu olarak sergilemeye karar verdim.”
Byrne, Synthetica’nın kısmen kalkış, deneme ve büyük ölçekli, yüksek çözünürlüklü görüntülerle ilgili olduğunu, dolayısıyla görüntünün uyduğunu söylüyor.
“Dağlar yıllardır işimin çok önemli bir özelliği oldu, bu yüzden saygı göstermenin bir yolu olarak bir tanesini engelsiz olarak sergilemem ve izlenimim olması mantıklı gelmeye başladı. Tıpkı bir müzisyenin yedek şarkıcıya öne çıkıp şarkı söyleme fırsatı vermesi gibi. Diğer görüntülerde işe yarayıp yaramadığından emin değilim ama bunu yapmaktan keyif aldım.”
Büyük Ölçekli Kompozisyonlar ve Büyük Ölçekli Hedefler
“ Sentetika’daki çalışmalar, önceki çalışmalara göre daha fazla ölçekte oynuyor. Bu görüntülerde, onları nasıl deneyimlediğinizin anahtarı olan sayısız görsel yanlış yönlendirme var,” diye açıklıyor Byrne.
“Bu anlamda Kübizm’in temel ilkelerinden birine yaslanıyorum: birden fazla karşıt perspektifi bir araya getirmek ve bunları izleyiciye uyumlu tek bir bütün olarak sunmak. Sonuç, zihinde bir tür bölünmedir; kompozisyonun uyumu, biçimsel düzenlemenin uyumsuzluğuna karşı baskı yapar.
Sonuçta Byrne, hedefleri ne olursa olsun izleyicilerin çalışmalarında farklı anlamlar bulabileceğini biliyor.
Örneğin, arkadaşlarından biri yakın zamanda Black Monolith 2021’in bir baskısını aldı çünkü bu baskı ona Los Angeles hakkındaki algıları ve oradaki deneyimleri hakkında Byrne’nin asla düşünmeyeceği veya düşünmeyeceği bir şekilde anlatıyordu.
“Bu şimdiye kadar umabileceğim en büyük övgü! Umarım bu çalışma insanlara ilham verir ve onlara havadaki büyüyü hatırlatır. Umarım çalışmalarım insanların kendilerini iyi hissetmelerini sağlar.”
George Byrne’den daha fazlasını web sitesinde bulabilirsiniz.
