Fotoğrafçı ve Fotomuhabir Simon King‘in Fotoğraf ve Minimalizm üzerine güzel bir yazısı… Minimalizm dilini film fotoğrafçılığında kullanmak…
Genelde fotoğrafıma etiketler koymakta tereddüt ediyorum, bir tanımın zihniyetimi sınırlayabileceğini ve daha sonra muhtemelen bu etikete karşı gelme potansiyelimi kısıtlayabileceğini düşündüğüm için endişeleniyorum. Gözüme çarpan her şeyi çekmek için elimden gelenin en iyisini yapıyorum, sadece yayınladığım esere uygun olarak değil, aynı zamanda sonunda bu hikayeleri ve karakterleri bağlamsallaştıracak görüntüler de çekiyorum.
İşimin içine düştüğü türe gelince bile, kendime sokak fotoğrafçısı demekten kaçınmaya başladım ve şimdi “belgeselci” ile olabildiğince geniş olmaya çalıştım ama bunun bile sorunları var. Bununla birlikte, fotoğrafçılığımın görsel / estetik yönlerini analiz ederken, resimlerimin her zaman içine düştüğünü hissettiğim bazı sanat teorisi kategorileri var; Çalışmamın bu daha somut yönlerini inceleyerek, bestelerime giren bilinçli ve bilinçsiz kararları daha iyi anlayabilirim. Bazı yönleri vurgulayabilir veya bunlardan kaçınabilir ve onları görsel açıdan tutarlı bir çalışma gövdesi üretirken akılda tutabilirim – yine de tematik bir türün sınırlamasından kaçınırım.
Minimalizm her zaman zevk aldığım işin ve yaratmayı sevdiğim işin temel bir yönü olmuştur. Çekirdeğe, en temel öğelere indirgeme niyetiyle bir görüntüyü çerçevelemenin doğası gereği (bana göre) mantıklı bir şey var. Bu şekilde bir fikri olabildiğince az adımda aktarabilirim, bu da bir izleyicinin çok fazla çalışma yapmadan amacımı evrensel olarak yorumlayabileceği anlamına gelir. En eski moda portrelerimden güncel röportaj çalışmalarıma kadar, resimlerimin ana düşüncesi buydu.
Fotoğrafta minimalizm oldukça nüanslı bir konu olabilir – bence yukarıdaki görüntülerin hiçbirini veya gerçekten de şimdiye kadar yarattığım herhangi bir görüntüyü minimal olarak sınıflandırmayan bazı insanlar var. Minimalizm , yalnızca tek bir şekil veya renk kalana kadar öğelerin çoğunun kaldırılması anlamına gelebilir. Bu, manzara fotoğrafçılığı, belki astrofotografi gibi bir şeye uygulanacak harika bir yorum olacaktır ve şu anki New Wave sokak fotoğrafçılığı, minimal fikirlerin bu yorumuna oldukça sık eğiliyor.
Bununla birlikte, minimalizmin bu yorumunun, niyet fikrini dışarıda bırakan oldukça yüzeysel bir minimalizm anlayışına dayandığını düşünüyorum. Amaç, minimal estetikle bir şey üretmekse, bir kompozisyonu azaltmak kesinlikle çok mantıklıdır. Sadece sanatsal niyetten daha fazlası olduğunda – tepki vermek için fazla zamanınız olmadan önünüzde açılan bir mesaj veya bir hikaye olduğunda, o birkaç saniyede onu içine alan bir çerçeve oluşturmak için yapabileceğiniz çok şey vardır. an.
Bu, kare başına olabildiğince az, kare başına bir karakter, ancak kare başına güçlü bir fikir anlamına gelir. İzleyici, ressamın niyetinden ziyade izleyiciden projeksiyon gerektiren daha az derinliğe sahip bir görüntüye kavramsal olarak tercih ettiğim bir fikri özümsemek ve açmak için zamanını harcayabilir. Bu, fotoğrafçının konseptini küçültmek ve sonra bunu çerçevesine dönüştürmek için düşünmesini gerektirir. Sanatçı bunu etkili bir şekilde, çok az bir fazlalıkla yapabiliyorsa, o zaman mutlaka en temiz, en boş uygulamaya ihtiyaç duymaz – önemli olan, basit bir fikrin iyi temsil edilmesidir.
Genellikle birkaç saniyeden fazla sürmeyen durumlara veya potansiyele tepki vermem gerekir, bu nedenle film fotoğrafçılığı iş akışımdaki bir durumu azaltmak için güvendiğim birkaç yol var. Bu, sonuçlarıma netlik kazandıran keskin, kontrastlı filmlerin kullanımını içerir.
Bütünsel kompozisyon mihenk taşı olarak figürü zemine kullanarak besteliyorum – kompozisyon ya da alan derinliğini kullanarak figür zemine ulaşamazsam, o zaman çoğu zaman basitçe çekim yapmayacağım – ya da en azından yayınlamayacağım. Figürden zemine iyi bir kompozisyon uygulamasının sunduğu temizlik, bir bakışta anlaşılabilecek bir sonuç üretme kabiliyetinde rakipsizdir, görüntünün tüm unsurları onlar için çalışmak zorunda kalmadan izleyiciye teslim edilir.
Figürden zemine, özne ile görüntüde karşı bulunduğu zemin arasında iyi bir tanım anlamına gelir. Benim için bu, konularımın dikkat dağıtıcı bir şekilde çakışmamasını sağlamak anlamına geliyor; her şey görüntünün düzlemi boyunca kendi alanında var olur.
Örneğin bu fotoğraf çok yoğun bir sahnede çekildi, ancak görüntünün merkez noktası hemen anlaşılıyor – kalabalığın arasından sıyrılması gereken her şey bunu yapıyor. Başkaları kabul etsin ya da etmesin, buna minimal bir görüntü derdim.
Dağınık ortama rağmen öz, düzenli olarak kalır; özne ile aynı seviyeye çömelmiş olsaydım ya da daha yakınlaşsaydım bunu yapmazdı. Bu üst üste binmeye neden olabilirdi ve bana her şeyin yerine oturduğu bu görüntünün yapboz parçası rahatlığını vermezdi. Resimlerimin en iyileri bu özellikleri paylaşıyor. Bu belirli görüntünün değiştirebileceğim birçok yönü olmasına rağmen, sahneyi fark etmek ve bu potansiyele tepki vermek için yalnızca kısa bir pencerem vardı – ve eksiklikleri hakkında fikrime rağmen görüntü çalışıyor.
Bunu beste yapmanın daha doğal bir yolunu bulduğum için daha uzun odak uzunlukları kullanma eğilimindeyim. 35 mm veya altı lenslerde çerçeveyi aynı şekilde dolduramadığımı görüyorum – bunun yerine bir resmim olduğunu ve bu resmin içinde bir yerde istediğim çerçeve olduğunu görüyorum. Kırpmaktansa 50 mm + ‘de çekim yapabilir ve bu gereksiz negatif alanı gözüme daha doğal bir çerçeve ile yaklaştırabilirim.
Ciddi fotoğrafçılığıma 24 mm’lik bir lens eklemek için çalışıyorum, ancak en rahat edeceğimi düşünüyorum 50 mm +, işimin çoğu için, özellikle sokak fotoğrafçılığında 90 mm mevcut rahatlık alanı. Bir sahne için herhangi bir odak uzaklığı kullanılabilir, bu sadece fotoğrafçının onu uygulama şekline bağlıdır.
Ayrıca resimlerimin çoğunu dikey olarak çerçevelemeyi tercih ederim. Bu birkaç nedenden ötürü – portre yönelimi ile “fotoğraf” arasında daha güçlü bir ilişkim var, oysa bir manzara görüntüsü çerçeve boyunca meydana gelen olayların sinematik bir sekansını daha çok besliyor.
Dikey çerçeve, özellikle kentsel ortamlarda, yan yana daha az dağınıklık yaratma avantajına sahiptir. Kentsel bir ortamda binalar çok dikeydir ve konunuzu bir yandan diğer yana bloke etmek için kullanılabilir, ancak bence pek bir katkısı yok. Dikey bir çerçeve, olası negatif alanın çoğunun ya yer ya da gökyüzü (tercihim gökyüzü) olmasına izin verir, bu da herhangi bir ilgi için yanları aramak zorunda kalmadan gözün nesne üzerinde durmasını sağlar.
Boş alan, yararlı bir boş alan ve işe yaramaz boş alan olduğunu düşündüğüm için dahil edilmesi ilginç bir unsurdur. Kompozisyonun ana çekişmesinin bazı yönlerini vurgularsa, yararlı olduğunu söyleyebilirim, ancak kompozisyonun geri kalanını dengesizleştirirse, muhtemelen daha iyi yapabileceğim bir şey olduğunu söyleyebilirim.
Çoğunlukla hiçbir şey, azıcık bir şeyle.
Bu düşünceler kombinasyonu sayesinde, sevdiğim minimalist işler yaratabiliyorum. Çerçevedeki öğeler arasındaki farklılıkları koruyacak kadar görsel dil vardır, ancak herhangi bir sayıdaki olası duruma uygulanabilecek kadar geniştir. Bu, minimal çalışmamın en az öğeye sahip olmadığı, ancak fazlalık olmadan yalnızca temel öğelere sahip olduğu anlamına gelir. Ayrıntılı, aktif sahneler, ancak olabildiğince az dikkat dağıtıcı.
Film ve dijital minimal çalışma arasındaki temel ayrım, ayrıntıların işlenme biçiminin iki ortam arasında farklılık göstermesidir. Bence uzaktaki küçük figürler, en keskin film karesinde bile temiz bir dijital sensörden mümkün olandan çok daha az belirgin.
Bu, filmi kullanırken daha yakın çalışmaya, öznelerimle daha fazla duygusal bağ kurarak ve daha sıkı fiziksel yakınlıkla iş akışımı yönlendiriyor.
Dijital çalışmamda, bu netliğe güvenebildiğim için daha uzak mesafeden yeni bir dalga tarzına yönelmekle daha az ilgileniyorum. Bildiğim kadarıyla ölçek konusuna daha az dikkat etmeliyim, konu iyi açığa çıkarsa, figürünü vurgulamak için hafif mimari kullanarak öne çıkacak.
Film fotoğrafçılığımda, çerçeveme gerçekten hakim olan bir kompozisyon üzerinde çalışmaya daha meyilliyim. Bu, boş alanın hala kullanılabilir olduğu anlamına gelir, ancak çok daha az bir dereceye kadar – filmin fiziksel alanını boşa harcadığım için kendimi biraz kötü hissediyorum, ancak bunun sadece bir fikri açıkça göstermekten daha az ilgisi var. Film hakkındaki fikirlerim yaklaştıkça daha net. Gren ve netlik eksikliği, film çekerken bir özneye ne kadar yakın olursam, kompozisyondan uzaklaşmada daha az rol oynar.
Resimlerimdeki daha küçük ayrıntılar dijitalde her zaman daha iyi çalıştı ve bazen bu hayal kırıklığı yarattı. Benim için bu çekim esas olarak helikopterin lekesiyle ilgiliydi, ancak 8 × 10 veya daha büyük bir boyutta basılmadıkça pek iyi çalışmıyor. Ayrıntı, aynı çerçevenin dijital bir versiyonunda olacağından emin olduğum taramada yok.
Tüm bunlar, konuyu olabildiğince belirgin hale getirerek – genellikle çerçeveyi doldurmak için kullanarak – 35 mm’lik bir negatifin alanını elimden gelenin en iyisi için kullanmak anlamına gelir. Bu aynı zamanda, vurgulamak için negatif alan gibi şeyleri kullanma konusunda takdire bağlı olmak anlamına da gelir. Pek çok fotoğraf aracı gibi minimalizm de belirli yönleri vurgulamaya can atıyor ve dijital çalışmamla boşluğu vurguladığımı görüyorum – filmle yaşam, enerji ve aksiyon dolu kısımları vurgulamak daha mantıklı.
Simon King
Londra merkezli bir fotoğrafçı ve foto muhabiridir. Şu anda uzun vadeli kişisel projeler üzerinde çalışıyor ve 2016 sonundan beri 35mm film çekiyor. Çalışmalarını Instagram üzerinden takip edebilirsiniz…